Шагал свадьба: Описание картины марка захаровича шагала «свадьба»
ШАГАЛ Марк Захарович
Мир Марка Шагала возник на перекрёстке разных культур и традиций. «Не будь я евреем, я не был бы художником». Парижский мастер. Немецкие экспрессионисты боготворили его. Сам художник не раз подчёркивал, что он – русский художник. Мастер из Витебска. «Мой Витебск» – это корни его искусства.
В Витебске он учится в Школе рисования и живописи художника Академии художеств Ю.М.Пэна. Школа, в которой какое-то время учились О.А.Цадкин, О.С.Мещанинов и многие другие в будущем известные художники.
В 19 лет (в 1907) Шагал отправляется в Петербург. Его зачисляют на третий курс Рисовальной школы ОПХ, которой руководил Н.К.Рерих. Недолго параллельно со школой Шагал посещал рисовальные классы С.М.Зейденберга. В конце 1908 решает оставить школу, а в 1909 произошла встреча с Л.С.Бакстом. Как и Пэна, Шагал считал Бакста своим учителем. В ноябре становится учеником школы Е.Н.Званцевой, где преподавали Бакст и М.В.Добужинский. Эта школа ориентировалась на опыт свободных парижских студий.
С весны 1910 Шагал готовится к отъезду в Париж. В ожидании отъезда – май 1911 – он работает очень интенсивно. Первая его попытка удивить Париж заканчивается безрезультатно – картины Шагала не принимают на Осенний салон 1911.
В конце 1911 художник снимает мастерскую в «Улье». В это время Моисей Шагал меняет прежнее имя на всем теперь привычное – Марк.
Париж помог совершенствовать и отточить живописное мастерство. Шагал находит своё измерение живописи. Непосредственность, необычайная поэтичность и едва ли не детская склонность к фантазиям, ни на кого не похожим, «шагаловским». О нём начали говорить как о чудаке и чуде. Он показывал одну за одной свои картины в Салоне Независимых в 1912, 1913, 1914.
Теперь ему был открыт доступ в Осенний салон. Его картины сразу же узнавались в пространстве этих огромных выставок. Ошеломляющее впечатление производила картина «России, ослам и другим».
Шедевр следовал за шедевром. Это были годы невероятного творческого взлёта. Сильная интуитивная красочность его полотен противостояла монохромности парижского кубизма, который был как бы фоном для его дерзких живописных головоломок. У него свои понятия о форме, роли геометрии и свои способы создания сложного в своей свободе живописного пространства. Картина возникает из многих картин-эпизодов на плоскости. Он акцентирует внимание зрителя на изумивших его мелочах. Для Салона Независимых 1914 Шагал выбирает три ставших знаменитыми полотна – «Скрипач», «Материнство» и «Автопортрет с семью пальцами» (все – 1912–1913. СМА). Самое простое несло в себе ощущение мистики быта, загадку.
В сентябре 1913 картины Шагала показываются в Берлине на Первом немецком осеннем салоне, организованном Хервартом Вальденом.
У Вальдена в галерее «Дер Штурм» («Буря») в мае 1914 открывается большая ретроспектива произведений Шагала – шестьдесят работ на бумаге и сорок холстов, среди них последняя картина, написанная в Париже, – «Посвящается Аполлинеру» (1913–1914. Аббемузей, Эйндховен, Нидерланды).
Первая мировая война перечёркивает все планы – Шагал возвращается в Витебск. В то время, когда московские левые во главе с В.В.Маяковским и К.С.Малевичем рисуют потешные ура-патриотические плакаты для издательства «Современный лубок», Шагал создаёт серию очень точных по ощущению «климата» эпохи военных рисунков. Он пишет сцены нехитрого быта с любовью и нежностью, портреты родных – фрагменты какой-то только предчувствуемой семейной саги. Позже эти камерные этюды художник сам для себя определит как документы, вещи для души.
Я.А.Тугендхольд предлагает послать работы в Москву на «Выставку живописи 1915 год». Она открылась 25 марта (по старому стилю) в Художественном салоне К.И.Михайловой. Москва увидела сразу двадцать пять вещей художника и убедилась, что «иррациональное и несуразное у Шагала не надуманно».
25 июля 1915 состоялась и долгожданная свадьба художника с Беллой Розенфельд. В сентябре молодые уезжают в Петроград, где военнообязанный Шагал служит в Центральном военно-промышленном комитете, что, впрочем, не особенно мешало ему писать картины.
Шагал оказывается вовлечённым и в культурную деятельность Еврейского ОПХ. Он сразу же становится ориентиром для многих молодых еврейских художников.
Годы жизни в Петрограде и годы активного вхождения Шагала в русскую художественную среду. Его деятельно поддерживает Художественное бюро Н.Е.Добычиной (Марсово поле, 7). Его искусству отведена отдельная комната на первой выставке современной живописи в апреле 1916. Работы Шагала – петроградские и летние лиозненские и витебские – выстраивались в гармоничные зрительные ряды, подсказанные самим размеренным ритмом жизни художника. В «Окне на даче» (1915. ГТГ) художник заглядывает в свою картину – как много примечательного можно найти в самом бесхитростном мотиве.
Серия «Любовников».
Зелёные. Голубые. Серые. Чёрные. Розовые. (1916–1917). Сомнамбулические видения. Цвет определяет особую эмоциональную интонацию. Серия «Евреев»: «Старик (красный)»; «Старик (зелёный)». «Чёрное и белое». Это и портреты, и лики. Бродячие нищие проповедники и пророки. Живописные притчи.
Герои Шагала («День рождения». 1915; «Прогулка». 1917–1918. ГРМ) парят, поднимаясь над будничной жизнью…
После октябрьских событий Шагал возвращается в Витебск. Осенью 1918 он назначен уполномоченным по делам искусства Витебской губернии, организует работы по оформлению города к первой октябрьской годовщине и создаёт художественное училище (ВНХУ).
В мае 1919 Шагал приглашает в Витебск вести мастерскую архитектуры и графики Л.М.Лисицкого, казалось, целиком посвятившего себя идее модернистского еврейского искусства. Это решение оказывается роковым. Лисицкий приглашает в Витебск Малевича, создаётся Уновис. Ученики Шагала становятся последователями пророка супрематизма.
У Шагала был большой успех на 1-й государственной свободной выставке произведений искусств в бывшем Зимнем дворце весной 1919 – пятнадцать картин и рисунков.
Но в Витебске ему не было места. В начале июня 1920 Шагал в Москве. Иногда он выставлялся – «Мир искусства» (московский) в январе 1922. Выходит монография о нём Тугендхольда и А.М.Эфроса. Шагал учит рисовать беспризорных еврейских подростков в школе-колонии в Малаховке. Проиллюстрировал книгу поэзии Д.Н.Гофштейна «Tristia» (1922).
Но главное в московские годы – роспись зала Еврейского камерного театра. Шагал оформил и первый московский спектакль театра – «Вечер Шолом-Алейхема» (премьера 1 января 1921, режиссёр А.М.Грановский). Шагал сорок дней работал над оформлением зала. Это была невообразимая импровизация. Панно он писал на холстах, а не на стенах, опасаясь, что их закрасят при каком-либо ремонте. В них трансформировался и его парижский опыт, и опыт его работы в контексте левого русского искусства. В них царствует стихия карнавала.
В конце сезона 1920–1921 зрительный зал ненадолго превратился в выставочное помещение: «Роспись художника Марка Шагала». В конце марта 1922 росписи были показаны на «Выставке трёх» (Н.
В эти месяцы 1922 Шагал активно пишет свои «Записки» – будущую книгу «Моя жизнь» – и готовится к отъезду в Берлин через Литву (в Каунасе почитатели его таланта организовали выставку его работ).
Берлинский период (он приехал в Германию в мае 1922) продолжался недолго. Шагал участвует в Первой русской художественной выставке в галерее Ван Димен. После неё в тех же залах показывали персональную выставку Шагала – шестьдесят семь холстов, акварели и рисунки. В Берлине он делает попытку издать папку офортов «Моя жизнь» (1922).
1 сентября 1923 Шагал возвращается в Париж. В декабре 1924 – выставка в галерее Barbazanges-Hodeberg. На ней побывали и Анри Матисс, и Пабло Пикассо, и Андре Дерен.
Шагал – признанный мэтр «Парижской школы» межвоенных десятилетий. Витебские мотивы изредка возникают как светлое далёкое видение. Но большинство его холстов вдохновлены поездками по французской провинции. Он пишет букеты, и с особой любовью – цирк.
По договорённости с Амбруазом Волларом он делает офорты к «Мёртвым душам» Н.В.Гоголя, которые будут изданы уже после войны, в 1948. Весь комплект офортов Шагал посылает в Москву. Серия была показана на выставке современного французского искусства в Москве в 1928. Воллар также заказал художнику серию иллюстраций к «Басням» Лафонтена, а после неё – к «Библии».
В 1931 Шагал совершает поездку в Палестину, и по возвращении во Францию делает композиции на библейские темы. Библейский цикл был издан только в 1957.
В августе 1935 – поездка в Вильнюс по приглашению Института по изучению культуры и языка идиш.
Витебск и Россию художник не раз будет вспоминать в своей живописи 1930-х. Он делает ряд рисунков-воспоминаний о революционных годах и пишет к двадцатилетию октябрьских событий «Революцию» (Центр Помпиду) как трагическую арлекинаду. С «Революцией» внутренне связано и «Белое распятие» (1938. Художественный институт, Чикаго).
В годы войны Шагал живёт в Нью-Йорке.
Для Нью-йоркского балетного театра он сочиняет декорации и костюмы к балетам «Алеко» по П.И.Чайковскому (1942) и «Жар-птице» И.Ф.Стравинского (1945). В 1943 по приглашению Еврейского антифашистского комитета в США приезжают С.М.Михоэлс и И.С.Фефер. Шагал делает иллюстрации к стихам Фефера. Через Михоэлса он посылает в Москву работы в фонд помощи России.
2 сентября 1944 умирает Белла, жена и муза его искусства. В августе 1948 Шагал навсегда возвращается во Францию.
Послевоенные годы – почти сорок лет творчества. Живописец хочет испробовать свои силы в самых различных областях – книги, витражи, мозаика, театр, скульптура, керамика, росписи.
В 1950 Шагал переезжает на юг, на французское Средиземноморье, в Ванс, а затем – в Сен-Поль-де-Ванс. В Ницце начинают строить музей для показа «Библейского послания».
В июне 1973 он посещает Москву и Ленинград. В России проявляют особый интерес к его творчеству.
Работы русских лет показывают на различных выставках, особый успех имели выставки из русских музеев и частных собраний в Мартиньи (Швейцария) и Франкфурте-на-Майне (1991), в Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке (1992–1993.
«Марк Шагал и Еврейский театр»). В 2005 большая ретроспективная выставка была в ГТГ и ГРМ, на которых показывались работы из русских и западных музеев и частных коллекций.
Свадьба. Творческий подход.
Автор: Любовь Попова
Беседовала: Надежда Азарова для портала Осинка.ру
Весна — любимое время для свадеб. И хотя люди женятся круглый год, именно с приходом весны особенно радостно видеть невест в белых платьях и мечтать о красивой и вечной любви. Чтобы поговорить о свадебных традициях и обрядах, мы встретились с искусствоведом Любовью Поповой. Как появились белые платья? Какие свадебные обряды были на Руси? И какой может быть современная свадьба?
Свадьба. Творческий подход.
Весна — любимое время для свадеб. И хотя люди женятся круглый год, именно с приходом весны особенно радостно видеть невест в белых платьях и мечтать о красивой и вечной любви. Чтобы поговорить о свадебных традициях и обрядах, мы встретились с Любовью Поповой, искусствоведом, которая особенно трепетно относится к русской культуре и ее возрождению.
— Любовь Михайловна, давайте сначала поговорим о традиции. Как родилась традиция белого, в пол, пышного, а часто и с кринолином, свадебного платья?
Любовь Попова: В средние века и эпоху Ренессанса цвет свадебного платья чаще всего был торжественных драгоценных тонов: густых алых, зелёно-малахитовых, золотых. Невесты на картинах Ян ван Эйка, Рубенса, Рембранта именно в таких платьях (илл. 17-19).
Белое свадебное платье становится достаточно распространённым в эпоху стиля ампир (конец XVIII – начало XIX вв.
). Но в это времени белый ещё не был единственно возможный цветом. Он был один из многих светлых оттенков свадебных платьев: голубых, розовых, цвета слоновой кости, лимонных. В феврале 1840-го года в Лондоне состоялось бракосочетание королевы Виктории и принца Альберта Саксен-Кобургского. Невеста была в белом (илл. 13). С тех пор белый цвет становится традиционно свадебным сначала в Англии, а потом и в других странах.
Что же касается фасонов свадебных платьев, то они подчинялись моде: в 60-70х гг. 19в. они были с кринолином, в 90-егг с тюрнюром, в эпоху модерна стекающих форм и, наконец, чаще геометрических форм в ар-деко. Современная любовь к платьям с кринолином – это, конечно, отражение того влияния, которое оказал Диор на развитие моды 20-го, а теперь и 21 веков.
Пышная юбка с кринолином в сочетании с корсетом — это, безусловно, обращение к формам середины 19 века. Стиль нью-лук как раз и представлял собой определённую интерпретацию моды того времени.
— Пышные платья с кринолином белые в пол очень популярны у наших девушек. Когда такое платье уместно?
Любовь Попова: Такое платье: белое длинное в пол, два ещё и с кринолином продолжает традиции дворянской, а точнее, аристократической культуры. И как всякая культура, культура аристократическая предъявляет определённые требования к манере ношения, а также и к окружению, к тому пространству, в котором это платье будет существовать.
Белое платье в пол с пышной юбкой создаёт, несомненно, торжественный, роскошный образ. И, выбирая платье, всегда надо помнить о нескольких, чрезвычайно важных моментах.
Во-первых, ваши внешние особенности, ваш характер, манера поведения, наконец, походка. Не надо забывать и об окружении; мои родные в их привычных, хотя, вероятно, и праздничных одеждах, будут ли они родственны по стилю моему исключительно репрезентативному платью?
Место, где планируется провести свадебное застолье, будет ли оно гармонировать с моим платьем? Вопросы должны вам помочь проявить ваше чувство стиля. Выпускные вечера, когда в условиях наших школ, не всегда даже с хорошим ремонтом, с обшарпанными стенами, девушки в локонах и в длинных платьях из искусственного шёлка, — грустное зрелище, в котором трудно усмотреть чувство стиля и вкус.
Так что, отвечая на Ваш вопрос, можно сказать, что такое платье уместно тогда, когда соответствует характеру, привычкам не только невесты, но и жениха, и даже шире, их родных. И, кроме того, важно правильно выбрать место самого свадебного торжества.
— Но тогда получается, что белое платье в пол могут одевать только те, в которых есть дворянская кровь?
Любовь Попова: Не совсем так. Потомков дворянства в нашей стране, к тому же сохранивших в себе основы аристократической культуры, осталось очень мало. Но осталась дворянская культура: Пушкин, Толстой. И они, замечу, входят (и входили!) в школьную программу по литературе.
И вот где-то в Тьмутаракани растёт девочка: читает книжки, учится в музыкальной школе, занимается в балетном кружке. И, сама того не ведая, растёт и развивается в пространстве культуры ушедшего социального класса, культуры дворянской. И, возможно (но именно «возможно», а совершенно не обязательно, не непременно) она уже не поставит пакет с кефиром на стол: «Пейте, милые!», — а разольёт по красивым чашкам, на столе будет не клеёнка, а скатерть, или льняные салфетки. И, возможно, роскошное платье будет смотреться на ней весьма органично?
Японская свадьба.Словом, обо всём об этом стоит поразмышлять, прежде чем покупать платье именно с кринолином и в пол. Может быть, выбрать платье менее пафосное? А может быть, вы вспомните о культурных традициях своих прапрабабушек и прапрадедушек, национальных традициях? Свадьба как раз повод вспомнить и о русской традиции. В Японии, Индии, Китае, на Кавказе, наконец, подавляющее большинство свадеб проходит согласно традициям, а у нас это редкость.
— Кстати, Любовь Михайловна, а какие свадебные обряды были на Руси, как это было раньше? И как это можно адаптировать к нашей реальности?
Любовь Попова: Традиции русского свадебного обряда, как ни печально, во многом утрачены. В чём причина? Причина в одном: в годы коллективизации с уничтожением крестьянства как класса (а русская национальная традиция — крестьянская), была уничтожена и крестьянская обрядность, в том числе и свадебная.
Вся обрядность рассматривалась как вредная, и даже враждебная, советской власти. Это не значит, что, например, в послевоенные годы, такие свадьбы не проводились. Они были, но корневище было обрублено и дерево национального обряда уже не цвело.
Сейчас есть слой в нашем обществе, который пытается (и достаточно успешно) возрождать свадебный обряд. Это среда, связанная с фольклорными ансамблями или с народными промыслами. Радостно, что в северных наших городах традиционная русская свадьба находит всё больше приверженцев.
Возможна ли в наше время истинно национальная русская свадьба? Если в обществе будет культивироваться уважение к национальной традиции, память и любовь к жизни прадедов, бабушек, дедушек, к истории семьи, к семейной родословной, то только в этом случае свадьба действительно станет по-настоящему самобытной, настолько же русской (или украинской, или армянской), насколько самобытны индийские, японские или абхазские свадьбы.
С чего начать? В этой ситуации нет ничего более ценного, чем воспоминания ваших бабушек. Пусть это будут и родные бабушки, и соседки, а может быть, вы найдёте эту, такую важную для вашей свадьбы, бабушку в деревне рядом с вашим городом. И ваши поиски, непременно, увенчаются успехом: кто-то из них, наверняка вспомнит хотя бы часть свадебного обряда именно вашей родной местности. Интернет, конечно, никто не отменяет.
Лучше пользоваться не сценариями, выложенными на свадебных сайтах, а не полениться и найти этнографическую литературу по свадебному обряду конкретно вашего района. Вряд ли вы будете следовать полной обрядности, но даже несколько исполненных песен придадут особый аромат вашей свадьбе.
Обратитесь за помощью к местным народным ансамблям, они вам с удовольствием помогут. Найдите возможность сшить этнографически верный русский костюм.
В интернете вы можете найти ссылки на интересующие вас ресурсы. Кроме того, есть прекрасный журнал «Чудесные мгновения», который публикует выкройки и подробное описание процесса шитья русского костюма.
Организация такой свадьбы — это поиски дороги к себе истинным, один из первых, важнейших шагов к собственной индивидуальности, переход из пространства подражания, стандарта, в пространство личной самобытности.
На свадебной фотографии 50-х годов женщина справа протягивает «шишку» (илл. 6 стр. 3). А ведь это важнейший элемент славянского свадебного обряда! «Шишка» с многочисленными шаровидными отростками символизировала пожелание многочисленного потомства. Присутствие «шишки» на свадьбе сразу переводит этот праздник из пространства обыденного в пространство мифа, связывает молодожёнов со многими и многими поколениями их предков, с их родиной, напоминает им об ответственности не только перед самими собой, перед только что созданной семьёй, но и перед прадедами.
Разве это не важно?
Свадебные «шишки» обязательно присутствуют на современных украинских свадьбах наряду со свадебным караваем. Сохранились они и в отдельных районах Кубани. Информацию о том, как сделать свадебные «шишки» и свадебный каравай можно найти в интернете.
«Неравный брак». 1862. Государственная Третьяковская галерея. Москва.— Любовь Михайловна, как Вы считаете, какие ещё истории, помимо национальной традиции, могут быть воплощены в свадьбе? Ведь свадьба или другое торжество — отличный повод проявить свою индивидуальность.
Любовь Попова: Любимое кино, сюжеты из отечественной и мировой истории, такие яркие персонажи, как мексиканская художница Фрида, — всё это может подтолкнуть к созданию определённого сценария свадьбы. Главное, он должен быть связан с вами, с вашими увлечениями, с вашим окружением, с вашими взглядами на жизнь, то есть с вашей индивидуальностью.
Если Вы люблю ходить в музеи, то это должно отразиться хотя бы в выборе посуды для свадебного застолья и, конечно, в свадебном платье. Может быть, оно будет с элементами рококо? Ну, это, конечно, если и Ваш избранник разделяет Ваши увлечения. А другой любит гонять на мотоцикле – это может стать основой для другой истории. А третий не представляет своей жизни без спорта. Отлично, есть от чего оттолкнуться.
Национальная же традиция моментально выделяет нас из череды похожих, безликих торжеств, придаёт вашей свадьбе неповторимый колорит, позволяет объединить разных людей, с разными вкусами и предпочтениями, что сделает свадьбу особенно душевной. Важно осознать СЕБЯ, своё СВОЕОБРАЗИЕ, то есть найти СВОЙ ОБРАЗ. И в этом глубокий смысл.
— И вообще, как девушке выбрать подходящее платье?
Любовь Попова: Повторюсь: именно ВАША жизнь, ВАШИ привычки, ВАШИ увлечения – вот о чём вы должны помнить, выбирая платье.
Во-первых, не перегибайте палку в стремлении создать роскошный образ.
Роскошный образ подразумевает роскошные условия. Понятие роскоши для нашей страны ещё долго, вероятно, будет сопряжено с подводными камнями вульгарности и пошлости. Поясню свою мысль. Роскошь – это не просто дорого. Это вековые традиции роскоши. В нашей же стране на протяжении длительного периода не было условий для сохранения таких традиций. Дворянство, и уж конечно, аристократия революцией 17-го года была уничтожена не только как класс, но многие представители этого класса были уничтожены физически, либо, в лучшем случае, смогли во время покинуть страну. Некому было сохранять, а поэтому и передавать аристократические традиции. Вот почему в таких условиях возникает опасность подмены истинной роскоши вульгарной красивостью.
Вспомнила сейчас роскошные (и очень дорогие!) веера из страусовых перьев, модные в 20-нач 30-гг XXв.
, в период ар-деко. Но ведь насколько требовательны эти веера к своей хозяйке. Осанка, манера поведения, походка – всё имело значение! Так и любое проявление роскоши моментально делает заметным любое несоответствие. И сразу же превращается в свою противоположность – в вульгарность. Будьте осторожны! Надеюсь, что в подобранных мною иллюстрациях что-то обязательно поможет вам найти свой образ, а значит не только платье невесты, но и одежду жениха, и место, где вы будете проводить свадьбу и сам сценарий свадьбы.
— Насчёт места для свадьбы. Ведь для такой свадьбы нужны, вероятно, и соответствующие декорации?
Любовь Попова: А как же! Безусловно, место подбирается согласно образу. И это место не обязательно должно быть дорогостоящим! Это может быть и берег реки с лесочком, и роскошный особняк, и заповедник деревянного зодчества, а может быть и Ваш дом, квартира, преображённая Вашим творческим подходом. Вот это и есть творческий подход! И если Вам действительно удалось ухватить самое важное в себе, в избраннике, а значит и в ВАШЕЙ БУДУЩЕЙ ЖИЗНИ, то и гости на Вашей свадьбе будут чувствовать себя естественно в рамках Вашего сценария, и не будет ощущения, что «не по Сеньке шапка, не по Ерёмке колпак».
— Любовь Михайловна, а Вы можете на конкретных примерах объяснить, как понять, какой образ твой?
Любовь Попова: Вот перед нами два лица. Как видите, визаж модели Инессы Морозовой графичный, построен на чётких линиях, а визаж Модель Дарьи Усачёвой – живописный, построен на мягких переходах цвета. Это случайно? Конечно, нет!
Если внимательно вглядеться в эти лица, то, надеюсь, вам удастся ухватить определённые закономерности.
Для лица Инессы характерны чёткие и как бы прохладные, а потому и сдержанные, линии. А лицо Дарьи построено на сочетании мягких, округлых форм и бесконечно тянущихся, как бы волнообразных, линий. Поэтому и образы у них разные. Образ Инессы — это сдержанная элегантность, а образ Дарьи передаёт волнение чувственности.
И свадебный наряд, и причёска отражают это различие. То есть перед нами не просто красивые, а стильные невесты с ярко проявленной индивидуальностью.
Конечно, чтобы увидеть и, что важно, прочувствовать эти закономерности, нужен определённый навык – чувство стиля. Навык этот вырабатывает увлечённость искусством – живописью, архитектурой, народным творчеством. Учитесь чувствовать, подчёркиваю, ЧУВСТВОВАТЬ, а не понимать, образ, искусство.
— Любовь Михайловна, вот, кажется и понял свой образ, и, как Вы говорите, увидел свою историю, а когда начинаешь это всё воплощать, что-то не так.
Любовь Попова: Мы стали слишком нетерпеливыми.
Хотим всё и сразу.
А так не бывает!
Потренируйтесь! Потом просмотрите альбомы живописи, найдите интересные сообщества в интернете, почитайте посты, зайдите в книжный магазин.
Потом ещё потренируйтесь. Затем поезжайте (ну, где вы, например, давно не были?) в Сергеев-Посад или Архангельское, Ростов Великий или Флоренцию. А, может быть, в бабушкину рязанскую деревню? И ещё раз потренируйтесь. На других, менее грандиозных событиях, например, на воскресном обеде или на дружеской вечеринке.
Потом ещё и ещё раз. Глядишь, что-то начинаешь не только понимать, но и уметь.
Если есть команда профессионалов (но именно профессионалов!), то такое событие организовать легче. Но для того, чтобы суметь найти именно профессионалов, Вам самим нужно многое знать, понимать и, замечу, уметь!
— Любовь Михайловна, что бы Вы пожелали нашим «осинкам»?
Любовь Попова: Счастья!
Но не такого, какое нам кто-то подарит, а такое, которое мы сами способны ТВОРИТЬ.
Взращивайте традиции своего народа в себе, а точнее, дайте возможность ожить в Вас вашим бабкам и дедам. Учитесь, открытые миру, сравнивайте, постигая СЕБЯ, и тогда Вы будете интересно, ТВОРЧЕСКИ жить!
Фоторяд к беседе с Любовью Михайловной Поповой.
Марк Шагал Летящей Походкой: for_artaddicted — LiveJournal
Предисловие*
Опера Гарнье.
Париж.Вы ощущали чувство дежавю? То самое, когда случайно бросаешь взгляд на то, что ты когда-то уже видел и не можешь поверить своим глазам? Если да, вы поймете что я ощутила, сидя в партере Оперы Гарнье в Париже в ожидании балетной постановки известного хореографа.
Рассматривая огромный, безумно красивый зал с позолоченными колоннами, я подняла голову наверх на купол театра. И вот здесь-то я и почувствовала что-то знакомое, то что я уже где-то видела, — то самое чувство дежавю.
Я слышала, что Марк Шагал очень известен в Париже, но чтобы его рукой был расписан плафон купола самой большой оперы Европы — Оперы Гарнье в Париже, я не ожидала.
Мое детальное знакомство с художником произошло на его выставке в Центре Помпиду в Париже. Центр Помпиду (Centre Pompidou), к слову, является собственником некоторых работ Марка Шагала, в том числе картин «Белла в белом воротничке» и «Двойной Портрет с Бокалом Вина».
Марк Шагал (24 июня 1887 — 1985) выработал свой уникальный, легко узнаваемый стиль, основанный на техниках кубизма и экспрессионизма.
Марк Шагал. Над городом. 1914 — 1918. Собственность Третьяковской галереи. Москва.Столько экспрессии, символизма и одновременно простоты, сколько в творчестве у Марка Шагала, нет ни у одного известного мне художника.
Благодаря Марку Шагалу выражение «парить в небесах» приобрело конкретную форму.
Взгляните на пролетающую влюбленную парочку Марка и Беллы над любимым городом Витебском. Истинный романтик Шагал в картине «Над городом» прощается таким образом с Витебском, чувствуя свой скорый переезд в Париж.
Марк Шагал, родившейся в Витебске, совместно с единомышленниками создал собственную школу живописи в 1919 году (l’ecole populaire d’art). После переезда в Париж стал очень востребованным живописцем, прославив Витебскую школу живописи.
Марк Шагал. Свадьба. 1918. Собственность Третьяковской галереи, Москва.
Знаменитая «Свадьба» Шагала выглядит весьма аскетично, можно сказать «траурно». В картине преобладает черный цвет, что весьма необычно, учитывая повод у собравшихся. Багрово-красный ангел, похожий на Купидона, предстает с закрытыми глазами. Взгляд брачующихся устремлен в разные стороны друг от друга. На правой стороне лица невесты изображен человечек, намекая на ее «особое» положение. Не это ли причина передачи свадьбы в столь аскетичном виде?
Марк Шагал вырос в еврейском семье и тема религии занимала важную часть в его жизни и творчестве.
«Если бы я не был евреем, как я это понимаю, я не был бы художником или был бы совсем другим художником», — говорил сам Шагал.
Марк Шагал. Белла в белом воротничке. Собственность Центра Помпиду, Париж.
Белла Шагал — первая любовь Марка Шагала.
Она происходила из рода Розенфельдов, дочь торговца ювелирными изделиями. Белла была его истинной музой и фигурировала практически во всех картинах Шагала.
Шагал. Двойной Портрет с Бокалом Вина. Собственность Центра Помпиду.
Почему Белла, изображенная на картине, держит Марка на плечах? Зачем одной рукой он закрывает ей правый глаз, в то время как во второй руке держит бокал вина? — Столько загадок как в «несуразных» и комичных картинах Шагала я не встречала ни у одного художника.
Творчество Марка Шагала можно рассматривать и отгадывать как ребус — целую вечность.
Passage cubiste. 1919. Marc Chagall. СОБСТВЕННОСТЬ Музея Помпиду.
Авангард, набиравший тогда небывалую популярность, повлиял и на творчество Шагала.
Вдохновившись творчеством Казимира Малевича и его движением супрематизма, Шагал создает несколько заслуживающих внимания шедевров, в том числе «Кубистический пейзаж».
В 1977 году Шагал был удостоен высшей награды Франции — Большого креста почетного легиона. В том же году в Лувре прошла выставка работ Марка Шагала, выходца из Витебска.
Умер Шагал в Париже в 1985 году, где был похоронен на местном кладбище.
В 1997 г. была проведена первая выставка художника на его родине, в Беларуси.
Марк Шагал.*Текст в блоге моего авторства. Публикация данной статьи без моего разрешения запрещена.
«Шагал – годы прорыва, 1911 – 1919»
Прорыв или переломный момент в творчестве Марка Захаровича Шагала (1887-1985) произошел между двумя полярно противоположными городами: его родным белорусским Витебском и Парижем, огромным мегаполисом, где художник жил с 1911 по 1914 годы. В картинах, созданных в этот период, переплетаются воспоминания о провинциальной жизни на родине и иконические моменты жизни парижской. Эти полотна отражают образы, навеянные русским народным искусством, и свидетельствуют о новых стилистических опытах, к которым обращается художник в результате соприкосновения с движением авангарда и контактов с такими ярчайшими его представителями, как Пабло Пикассо, Робер и Соня Делоне или Жак Липшиц.
На выставке, куратором которой выступил директор Музея изобразительных искусств Базеля Йозеф Хельфенстейн, представлены знаковые картины парижского периода: например, «России, ослам и другим» (1911), принесшая Шагалу ошеломляющий успех на парижском Салоне независимых 1912 года, или «Посвящение Апполинеру», считающаяся одной из самых загадочных работ мастера. Отправной точкой при ее создании послужило восхищение Шагала творчеством Гийома Аполлинера, чья поэзия, как и его собственная живопись, воплощала в себе традиции и современные идеи.
В 1914 году в жизни Шагала происходит неожиданный поворот – Первая мировая война застает художника во время его поездки на родину, где он вынужденно застревает на восемь лет. На экспозиции в Базеле можно увидеть подборку работ на бумаге, созданных в то время и содержащих зарисовки еврейских местечек и сцен из деревенской жизни Белоруссии.
Эти работы, созданный в период, переполненный событиями в политической, артистической и личной жизни художника, свидетельствуют о глубоком самоанализе, в который погрузился Марк Шагал, находясь в Витебске.
Кульминацией его творчества той поры специалисты единодушно считают четыре портрета, объединенные условным названием «четыре раввина». Созданные в 1914-1915 годах, эти портреты, три из которых хранятся в коллекции Карла Им Оберстега, одной из крупнейших частных коллекций Швейцарии, с 2004 находящейся на постоянном хранении в Музее Базеля, а четвертый, «Еврей в розовом» – в Государственном Русском музее Санкт-Петербурга, впервые выставляются вместе. На сайте базельского музея разъясняется, что, впитав элементы кубизма, орфизма – название движению придумал в 1912 году Апполинер! – и фовизма, эти три монументальных портрета евреев и чуть меньший по формату «Автопортрет» в полной мере отражают крайнюю эмоциональность, связанную с личными переживаниями художника с одной стороны и поиск новых решений с точки зрения формы, с другой. Созданные в период преследований восточно-европейских евреев и уничтожения традиционного уклада их жизни Первой мировой войной и Октябрьской революцией 1917 года, эти картины являются важными свидетельствами культуры в опасности. По мнению экспертов, об их значимости говорит и тот факт, что уже в 1915-17 годах их приобрел видный российский коллекционер Александр Каган-Шабшай, собиравшийся создать Музей еврейского искусства. А в 1936 году в Париже их купил у него Карл Им Оберстег, став таким образом одним из первых собирателей и знатоков искусства Марка Шагала.
Еще одной важной темой творчества Шагала того периода стали военные действия и вооруженные схватки, докатившиеся и до его родного Витебска – полученные им впечатления от увиденного запечатлены в серии рисунков тушью под общим названием «Отъезд на войну» (1914). Кроме этого, за восемь проведенных на родине лет Шагал создал большое число автопортретов и зарисовок из еврейской жизни, а также эскизов к оформлению празднования первой годовщины Революции – такое поручение он получил в качестве комиссара по делам искусств Витебской губернии и директора художественной школы Витебска.
Помимо работ Марка Шагала, хранящихся в собраниях Музея изобразительных искусств Базеля и Им Оберстега, посетители выставки смогут полюбоваться творениями художника, одолженными первоклассными музеями и частными коллекционерами со всего мира, достаточно назвать Музей современного искусства Нью-Йорка (MoMA), парижский Центр Помпиду, Русский музей Санкт-Петербурга, Государственную Третьяковскую галерею, иерусалимский Музей Израиля и Музей Штеделя во Франкфурте-на-Майне.
Еще одна важная составляющая выставки в Базеле – это коллекция исторических фотографий, призванных оригинальным и порой неожиданным образом «прокомментировать» и дополнить раннее творчество Марка Шагала. Автор значительной их части – Соломон Борисович Юдовин (1892-1954), определяемый в электронной энциклопедии как «белорусско-еврейский и советский график, художник, этнограф, представитель «Еврейского ренессанса» («Еврейского возрождения») и модерна». Помимо интереса к еврейским традициям, его объединяло с Шагалом и место рождения – Юдовин появился на свет в местечке Бешенковичи под Витебском, а затем учился в той самой витебской Школе рисования и живописи, которую позже возглавит Художник, прославивший белорусский город на весь мир. Представленные на выставке в Базеле фотографии были сделаны им во время фольклорно-этнографических экспедиций по еврейской черте оседлости на юго-западе Украины, организованных в 1912-1914 годах Еврейским историко-этнографическим обществом (ЕИЭО) под руководством дяди Соломона Юдовина, Семена Ан-ского (Семена Акимовича Раппопорта) на средства Владимира Гинцбурга — сына барона Горация Гинцбурга, одного из богатейших людей Российской империи того времени.
Юдовин фотографировал всё, что относится к иудаике — предметы еврейского быта, ритуальные принадлежности, надгробия (мацевы), росписи синагог, еврейских орнаментов, а также самих евреев – рабочих и ремесленников. Сейчас, по прошествии века с лишним, кажется, словно он сознательно стремился запечатлеть и сохранить для будущих поколений образы традиционного мира еврейской общины, вскоре исчезнувшей в ужасах погромов, Первой мировой войны, советской власти и, окончательно, во Второй мировой. Швейцарской публике эти поистине исторические фотографии станут доступны впервые.
Не меньший интерес представляют фоторепортажи расстрелянного как «враг народа» Виктора Буллы (1883-1944) и его погибших во время блокады Ленинграда коллег Якова Штейнберга (1880-1942) и Павла Жукова (1870-1942), позволяющие проследить революционные мутации 1917-1920 годов. Эти снимки предоставлены Музею изобразительных искусств Базеля из фотоколлекции Руфи и Петера Герцога, принадлежащей известному архитектурному бюро Herzog & de Meuron Architekten, открытому в 1978 году двумя уроженцами Базеля, Жаком Херцогом и Пьером де Мероном. Заметим, что основатели бюро, прославившиеся разработанными ими проектами галереи Тейт Модерн в Лондоне и Пекинского национального стадиона, с 1994 года преподают в Гарварде, участвовали в конкурсе на разработку концепции Газпром-Сити в Санкт-Петербурге, а Пьер де Мерон с 2011 года— член градостроительного совета фонда «Сколково». Все фотографии, представленные в экспозиции, отличаются высочайшим художественным мастерством, ничуть не уступающим их документальной ценности.
От редакции: Выставку «Шагал. Годы прорыва, 1911 – 1919» можно увидеть в Музее изобразительных искусств Базеля с 16 сентября до 21 января 2018 года. Всю практическую информацию вы найдете на сайте музея. Более развернутая статья о ней будет опубликована в номере 11 печатного приложения к Нашей Газете, которое уже можно заказать.
5 экспонатов Пушкинского музея и их история
Галерея искусства стран Европы и Америки XIX–XX веков располагается в бывшей московской усадьбе князей Голицыных, которая сейчас стала одним из корпусов Пушкинского музея. Здесь выставлены работы знаменитых европейских и американских художников: Пабло Пикассо, Анри Руссо, Эдгара Дега, Эжена Делакруа и многих других.
Мы выбрали для вас картины Марка Шагала, Клода Моне, Жана Огюста Доминика Энгра, Пабло Пикассо и Эдварда Мунка. Читайте о них, нажимайте на точки интереса в приложении Artefact и узнавайте, почему Шагал часто писал свою жену парящей в воздухе, какое событие повлияло на живопись Пикассо и какая картина Мунка стала самой дорогой после его «Крика».
Марк Шагал. «Ноктюрн (Ночная сцена)»
Марк Шагал написал картину «Ноктюрн (Ночная сцена)» в 1947 году, вскоре после смерти горячо любимой жены Беллы Розенфельд. Они прожили вместе почти 30 лет. Художник писал о жене: «Долгие годы ее любовь освещала все, что я делал». Без ее одобрения он не заканчивал ни одну свою работу. Белла стала моделью для большинства женских образов в творчестве Шагала: именно ее он изобразил на картинах «Голубые любовники», «Акробатка», «Свадьба», «Белла в белых перчатках». На знаменитых полотнах «Прогулка», «День рождения» и «Над городом» Марк Шагал выразил свои чувства к жене: он изобразил себя и ее парящими в воздухе.
Ты закружил меня в вихре красок. И вдруг оторвал от земли и сам оттолкнулся ногой, как будто тебе стало тесно в маленькой комнатушке… Вытянулся, поднялся и поплыл под потолком. Вот запрокинул голову и повернул к себе мою. Вот коснулся губами моего уха и шепчешь… И вот мы оба, в унисон, медленно воспаряем в разукрашенной комнате, взлетаем вверх. Нам хочется на волю, сквозь оконные стекла. Там синее небо, облака зовут нас.
На картине «Ноктюрн» Шагал тоже изобразил Беллу в полете: огненно-красный конь несет ее по ночному небу. Ряд домов внизу — это Покровская улица в Витебске, родном городе художника. Именно здесь Шагал жил с Беллой после свадьбы.
Пабло Пикассо. «Старый еврей с мальчиком»
Картина «Старый еврей с мальчиком» — одна из главных работ так называемого «синего», или «голубого», периода в творчестве Пабло Пикассо. В то время, в 1903–1904 годах, Пикассо тяжело переживал смерть близкого друга и создавал меланхоличные монохромные полотна в сине-зеленых оттенках, с редкими вкраплениями более теплых цветов. Их героями становились нищие, пьяницы, бродячие музыканты, женщины из публичных домов. Сегодня эти картины считаются одними из самых популярных работ Пикассо, хотя во время жизни художник с трудом продавал их: цветовая гамма и сюжеты казались покупателям чересчур мрачными.
Героев картины — слепого старика и мальчика — Пикассо писал с реальных нищих, которых видел на улицах Барселоны. В 1904 году картину «Старый еврей с мальчиком» приобрел для своего частного собрания российский меценат Сергей Щукин. После революции его коллекция стала национальной собственностью, и полотно Пикассо вместе с другими полотнами попало в Пушкинский музей.
Читайте также:
Жан Огюст Доминик Энгр. «Мадонна перед чашей с причастием»
Картина «Мадонна перед чашей с причастием» относится к позднему периоду творчества Жана Огюста Доминика Энгра — французского живописца, представителя классицизма и академизма. Это полотно Энгр создал по заказу наследника российского престола — будущего императора Александра II. По его просьбе художник, помимо Мадонны, изобразил на картине святых Александра Невского и Николая Угодника, которые считались покровителями самого цесаревича и его отца Николая I.
На образ Мадонны живописца вдохновили работы его любимого художника Рафаэля Санти. В своих картинах он придерживался рафаэлевских принципов композиции, освещения, пропорций и цветовой гаммы.
На полотне «Мадонна перед чашей с причастием» расположение предметов на столе совпадает с положением персонажей. Марии соответствует чаша с просфорой — хлебом, который используется в церковных таинствах. Справа и слева от нее расположены два подсвечника с горящими свечами — они олицетворяют святых.
Клод Моне. «Сирень на солнце»
Знаменитый французский импрессионист Клод Моне начал работать над картиной «Сирень на солнце» весной 1872 года. Он писал это небольшое полотно с натуры в саду своего дома, в предместье Парижа Аржантей. Под цветущим кустом на картине видны две женские фигуры: для одной из них художнику позировала его жена Камилла.
Моне намеренно не стал прописывать на картине мелкие детали: соцветия сирени, черты лиц, складки одежды. Для него, как и для большинства импрессионистов, гораздо важнее было запечатлеть игру света и тени, блики, сочетания цветов, которые передали бы общее настроение пейзажа.
Картину дважды выставляли в галерее французского коллекционера Поля Дюран-Рюэля. В 1899 году ее купил Сергей Щукин. «Сирень на солнце» стала первой импрессионистской картиной, которая попала в Россию.
Эдвард Мунк. «Белая ночь»
Полотно Эдварда Мунка «Белая ночь» известно и под другим названием — «Девушки на мосту». Художник написал его в небольшом норвежском городке Осгардстран, куда часто приезжал на лето. Именно в это время года в Норвегии начинается сезон белых ночей, когда солнце почти круглые сутки не заходит.
Картина написана в духе модерна — самого популярного стиля начала ХХ века, который охватывал не только живопись, но и литературу, архитектуру и другие сферы искусства. В отличие от многих других работ Мунка, например его самого знаменитого полотна «Крик», в «Белой ночи» нет напряженных и мрачных мотивов, которые художник постоянно воплощал на холсте после разрыва с возлюбленной Туллой Ларсен.
Один из вариантов полотна «Белая ночь» был продан на аукционе Sotheby’s за 54 миллиона долларов и стал самой дорогой работой Мунка после «Крика».
Автор: Ирина Кирилина
В постоянную экспозицию Третьяковской галереи впервые включены семь работ Шагала
Панно Марка Шагала для еврейского театра ГОСЕТ – совершенно прекрасные работы. Они красивые, эффектные, очень декоративные, легкие в восприятии и при этом полны разгадываемых загадок. Пролежавшие полвека свернутыми в музейных запасниках, в 90-е гг. отреставрированные и после этого съездившие на выставки в 46 городов мира, воспроизведенные в многочисленных изданиях, досконально изученные, они наконец обрели покой в залах постоянной экспозиции искусства ХХ в. Третьяковской галереи. Где им, конечно, самое место, поскольку это не только замечательные произведения искусства, но и прекрасный материал для просветительских экскурсий о связи фольклора с авангардом, сугубо национального с общечеловеческим, возможности художника обессмертить глубоко личное.
Будут перемены
Перемещение панно Шагала в постоянную экспозицию искусства ХХ в. Третьяковской галереи – один из шагов по изменению залов на Крымском Валу и привлечению туда публики. В музее уже ведется подготовительная работа по кардинальному ее обновлению.
Панно для Государственного еврейского театра написаны Шагалом за два месяца в 1920 г. – и эти простые сведения помогают понять как смысл и сюжеты, так и судьбу семи знаменитых полотен. Время написания определяет мастерство 35-летнего художника, уже имевшего успех и искушенного во всех новшествах русского и европейского искусства, в том числе и театрального, а также свободу и дерзость, с которой он работал, – в стране царил культ художественного эксперимента. А тем, что панно писались быстро – всего их было девять, сохранилось семь, – можно объяснить некоторый авантюризм, или лихость, их веселых сюжетов.
Факт, что работы создавались для еврейского театра, определил и их судьбу – в Третьяковскую галерею панно передали после закрытия театра в 1949 г. в период «борьбы с космополитизмом», но из ГОСЕТа их убрали раньше, во время борьбы с формализмом в 1937 г. В Третьяковке панно пролежали в запасниках до триумфального приезда в Москву Марка Шагала в 1973 г. Увидев их, художник прослезился и по просьбе сотрудников музея подписал.
Ну и естественно, что в работе для еврейского музея Шагал сполна использовал свои любимые сюжеты и героев – все связанное с родным ему миром провинциальной еврейской жизни. А также изобразил себя, свою жену с дочкой и написал на идише имена своих родственников в самых неожиданных местах композиций. Музами – а для театра естественно и необходимо изображать муз – стали у него неизменные действующие лица еврейских свадеб. Зеленомордый клезмер (скрипач, игравший на свадьбах) воплощал музыку, бадхан (шут и свадебный тамада) – театр, толстая сваха – танец, а переписчик Торы – литературу. В панно «Любовь на сцене» угадываются и жених с невестой. А в длинном панно-фризе изображен заставленный праздничными кушаньями стол. Еврейская свадьба становится главной метафорой театра, а сами панно – театральными сюжетами с главными и второстепенными героями, со множеством мизансцен.
Самое большое панно, «Введение в еврейский музей», можно рассматривать и разгадывать часами, столько там изображений реальных людей театра ГОСЕТ, а также петухов, козлов, летающих коров, намеков и метафор. Не все они были понятны даже современникам и соплеменникам Шагала. Как пишет искусствовед Александра Шатских, режиссер театра, европеец Алексей Грановский не понял, почему изображен с опущенными в таз с водой ногами. Оказывается, правоверные евреи погружали ступни в холодную воду, чтобы не заснуть во время чтения священных книг. В некоторое смятение вводит многочисленных толкователей и написанный в углу картины человек в картузе, писающий на свинью. Точно это может объяснить перевод одной из надписей: «Я балуюсь».
Работы Шагала для еврейского театра после реставрации 1991 г. вошли в историю мирового искусства и стали для Третьяковской галереи «золотым запасом». Их возили на гастроли, они зарабатывали деньги, сейчас в галерее не уточняют, на что. Десять лет назад в беседе на радио «Эхо Москвы» куратор выставки Шагала в Третьяковке Екатерина Селезнева сказала, что на вырученные от выставок Шагала средства были отреставрированы панно Михаила Врубеля. Теперь семи панно предстоит еще одно путешествие – в Монреаль, ну а дальше некоторый покой на почетном месте.
Марк Шагал в полёте — Совсем другой город
Для художника-авангардиста биография Марка Шагала, пожалуй, скучновата. Самое главное событие жизни — встреча с женой, самая главная трагедия — потеря жены. Но, может быть, он просто, в отличие от других, умел любить и летать?
В 1973 году в Ле-Бурже под Парижем на авиавыставке произошла трагедия: разбился советский самолет «Ту-144». Десятки раз момент катастрофы показывали по французскому телевидению. Через два дня 86-летний Марк Захарович Шагал — уроженец Витебска и гражданин Франции (в советских энциклопедиях его называли «французским художником») — после полувековой эмиграции должен был лететь в Россию на собственную выставку. Был заранее приобретён билет на рейс Аэрофлота, тоже на «Ту». В мастерскую к Шагалу зашла жена — Валентина Григорьевна Шагал. Несмотря на то, что она была значительно моложе мужа, главой семьи безусловно была она. «Марк, мы не полетим! — сказала она властно. — У меня нехорошие предчувствия». И ведь цыганка когда-то ему предсказала, что он умрёт в полёте… Но Шагал посмотрел на жену своими безмятежно-васильковыми глазами, покачал седой кудрявой головой: «Мы полетим, Вава». Настаивать Валентина Григорьевна не решилась. Так уже несколько раз бывало в их давно сложившихся отношениях, и она знала, что если её обычно покладистый муж вдруг заупрямился, то это непреодолимо…
Шагал верил в предсказание. Но он слишком давно мечтал о поездке в Россию. Рассматривал фотографии, которые присылали ему во Францию русские поклонники: вот его родная улочка в Витебске, а вот и его дом. Трудно узнать! Крыльцо сломали, а по бокам пристроили по флигельку. И всё же, если приглядеться… Всё те же четыре окошка, васильковые рамы, узкие красные кирпичи, а между ними — голубые швы раствора. Марк Захарович, объездивший весь мир, точно знал: только в Витебске даже строительный раствор — васильковый!
Потом к Шагалу приезжал Андрей Вознесенский. Старый художник расспрашивал молодого поэта: «Какая она нынче, Москва? Есть ли на улицах автомобили?» В последний раз он видел русскую столицу в 1922 году. Тогда там была разруха…
Вопреки предчувствиям Вавы перелёт прошел хорошо. Чуть не в первый московский день Андрей Вознесенский зазвал именитого гостя к себе на дачу в Переделкино. Поэт вспоминал об этом так: «Шагал остановился посредине дорожки, простёр руки и остолбенел. «Это самый красивый пейзаж, какой я видел в мире!» — воскликнул он. Перед ним был старый покосившийся забор, бурелом, ель и заглохшая крапива». И это после стольких лет, прожитых под ярким французским небом, в изысканном особняке, среди зелени, цветов и переливов солнечного света!
Ещё за несколько месяцев до поездки Марк Захарович строил планы, как сядет в Москве на поезд и поедет в Витебск, в свой возлюбленный город… Но он забыл, что московское лето — это вам не французское, посидел в гостинице на балконе, его продуло… Вава сказала: «Придется поездку в Витебск отменить. В твоем возрасте простуды очень опасны». На этот раз муж послушался, и Валентина Григорьевна успокоилась: её прежние позиции отвоёваны. Она и не знала, что в последний момент Шагал в Витебск ехать испугался. Из тех же писем от поклонников он знал: города его детства больше нет. Война уничтожила 93 процента домов. А красивейшую Благовещенскую церковь XII века, чудом уцелевшую в войну, зачем-то снесли в шестидесятых годах. Нет, лучше уж Марку Захаровичу не видеть, что стало с его родиной…
ВитебскЕщё недавно местом рождения Шагала ошибочно считали белорусское местечко Лиозно. На самом деле Марк — старший из 9 детей разносчика рыбы Хацкеля (по паспорту — Захара) — 7 июля 1887 года родился на окраине Витебска, которая называлась Песковатики. А в Лиозно жил дед по материнской линии, и маленького Марка туда возили, хоть он этого и не любил — дед был резником (так в еврейских местечках называли мясников), в сарае вечно сохли шкуры убитых животных, и это было до жути страшно!
С Бэллой РозенфельдВойдя в возраст и обнаружив в себе страсть к рисованию, Шагал покидает родной город: «В Витебске тогда было много столбов, свиней и заборов, а художественные дарования дремали. Оторвавшись от палитры, я умчался в Питер». Просто в Витебске ему не у кого было по-настоящему учиться живописи. А в Петербурге он поступил в школу Общества поощрения художников, среди его учителей был и Лев Бакст. Но и в Питере, а потом в Париже, в Нью-Йорке, да где угодно, Шагал рисовал всё те же витебские столбы, заборы, свиней, коз, лужи, скрипача, кучера, шарманщика, раввина… Правда, главную свою живописную натуру, которую он тоже будет рисовать много лет, 22-летний Шагал нашел всё же в Питере. Её звали Белла Розенфельд. Внешне она была очень похожа на самого Шагала. И это было поразительно, потому что Белла была красавицей, а Марк не слишком хорош собой. А ещё Белла была одухотворенной и воздушной. Занималась в студии Станиславского, пробовала себя в литературе, интересовалась философией… В её присутствии Марк испытывал невиданное чувство невесомости, парения и покоя. Часто он так её и рисовал — безмятежно парящей в небе. И себя летящим рядом с ней — над заборами, над свиньями, над столбами, над обыденным и милым Витебском.
Через год после знакомства Белла и Марк были женихом и невестой. Свадьба казалась делом решённым, и вдруг всё изменилось — влюблённого юношу стала мучить какая-то смутная тревога, какая-то тоска… Словом, в один прекрасный день он вдруг взял да и удрал от своей невесты в Париж. Те, кто знал их с Беллой, пришли в изумление. А она сама хранила спокойствие. Будучи женщиной необыкновенно умной, Белла одна понимала, что происходит с её любимым мужчиной — лучше даже, чем он сам. «Его позвал в дорогу какой-то таинственный инстинкт. Как грача или журавля осенью! Но он вернется», — объясняла она. Этот таинственный инстинкт он и сам за собой знал: «Мать рассказывала мне, что, когда я появился на свет, город охватил огромный пожар и, чтобы нас спасти, кровать, в которой мы оба лежали, переносили с места на место. Может быть, поэтому я постоянно испытываю потребность куда-то уехать».
Комиссар на зелёном конеВсе четыре года разлуки жених с невестой переписывались. «Мои русские картины были без света, — писал Шагал из Парижа. — В России всё сумрачно и имеет серовато-коричневый оттенок. Приехав в Париж, я был потрясен переливами света». И всё же сюжеты его картин не изменились. «Париж, ты мой Витебск!» — это, по мнению Шагала, было лучшим комплиментом. Жил Марк на улице Данциг, неподалёку от бульвара Монпарнас, в круглом кирпичном здании — это было общежитие художников под названием «Улей». Одну из квартир там занимал в то время Амедео Модильяни, другую — Фернан Леже… Все обитатели «Улья», как и положено настоящим художникам, бедствовали и даже голодали. Не имея денег на холсты, Шагал писал картины то на скатерти, то на простынях, то на собственной ночной рубашке.
Но ему ещё повезло — признание пришло быстро. На немецком Осеннем салоне, куда почти случайно попали три полотна Шагала (нашёлся человек, разбиравшийся в живописи и решивший рискнуть, вложившись в непризнанного гения), его мастерство было высоко оценено, а персональная выставка в Берлине окончательно решила дело. Так что в Россию Шагал вернулся уже признанным художником. Ему не пришлось ждать для этого старости, а ведь некоторым и жизни не хватает дождаться.
Почему он решил вернуться? Может, это было неосознанное желание убраться подальше от надвигающейся войны: начинался 1914 год, и Франция была главным врагом Германии… Кто же знал тогда, что Россия — наименее подходящее место для человека, не желающего никаких войн и катаклизмов… А ещё, конечно, ему хотелось к своей невесте, к Белле Розенфельд.
«И погасили мы Луну, И свечек пламя заструилось, И лишь к тебе моя стремилась Любовь, избрав тебя одну…» — написал Шагал вскоре после свадьбы. Теперь, в 1914-м, он как будто бы заново влюбился в неё — и во сто крат сильнее прежнего. Теперь Марк даже не понимал, как мог столько времени жить вдали от Беллы, дарившей ему ощущение покоя и полёта, всё понимающей, всё чувствующей. Нет, теперь уж он с ней никогда не расстанется — даже на месяц, даже на неделю, даже на день! И снова он рисовал себя и свою Беллу летящими в небе, свободными и влюблёнными. А когда в 1916 году родилась дочь Ида, стал рисовать и её.
А потом в России одна за другой произошли две революции. Советская власть показалась Шагалу «новой античностью», питомником, где обновлённое искусство расцветёт в небывалом великолепии. Сам Луначарский выдал ему мандат: «Товарищ художник Марк Шагал назначается Уполномоченным по делам искусств Витебской губернии. Всем революционным властям предлагается оказывать тов. Шагалу полное содействие».
Шагал даже издавал декреты! Вот один из них, от 16 октября 1918 года: «Всем лицам и учреждениям, имеющим мольберты, предлагается передать таковые во временное распоряжение Художественной комиссии по украшению г. Витебска к первой годовщине Октябрьской революции». Это был небывалый, уникальный праздник, совсем не похожий на те, которые когда-либо где-либо устраивала советская власть: дома покрашены белым, а по белому разбегаются зелёные круги, оранжевые квадраты, синие прямоугольники (дело рук Малевича, которого Шагал пригласил из Москвы). Горожане в широкополых шляпах, с бантами в петлицах несут плакаты: «Да здравствует революция слов и звуков!» Какие-то дамы вышли на парад на ходулях. А над официальными учреждениями развевается знамя с изображением человека на зелёной лошади и надписью: «Шагал — Витебску».
Через несколько лет автор «Чёрного квадрата» вытеснит Шагала из Витебска, обвинив его… в консерватизме. Мол, Шагал напрасно до сих пор возится с изображением каких-то вещей и человеческих фигур, тогда как подлинное революционное искусство должно быть беспредметным. Целый год после этого Марк Захарович ещё проживет в России, с увлечением работая… учителем рисования в детских трудовых колониях «Малаховка» и «III Интернационал». Как Макаренко, наравне со всеми пёк хлеб, дежурил на кухне, качал воду из колодца. Тем временем Белла потихоньку распродала все свои фамильные драгоценности, чтобы прокормить пятилетнюю Иду — в стране свирепствовал голод. Неизвестно, чем бы все это кончилось, если бы необъяснимые «внутренние часы» Марка Захаровича не показали, что пришло время совершить новый «перелет». Не голод, не тяготы разрухи и уж, конечно, не страх перед новой властью, с которой Шагал пребывал тогда в полной гармонии, а какой-то неведомый инстинкт снова звал его в дорогу… В 1922 году художник вместе со своей семьёй уехал в Каунас, оттуда — в Берлин, потом — в Париж.
Через несколько лет из России стали доходить смутные, страшные и — увы! — достоверные известия о том, что советская власть крутенько расправляется с художниками, поэтами, режиссерами, исповедовавшими Новое искусство. И Марк Захарович возблагодарил Всевышнего за то, что Он вложил в его душу жажду странствий. В Париже Шагалы прожили вплоть до Второй мировой войны.
С Бэллой и дочкой ИдойКатастрофаНа этот раз он чуть было не опоздал. Досиделся во Франции до самого прихода немцев! Нетрудно догадаться, что было бы с чистокровным евреем Шагалом, его еврейкой-женой и их дочерью, останься они чуть дольше среди тех, кто ещё в 1933 году бросал в костёр шагаловские полотна (с 1913 года, когда немецкой культуре еврей Шагал не мешал, много воды утекло). Но, к счастью, в мае 1941 года семье удалось сесть на пароход, идущий в Америку.
В Нью-Йорк Шагалы прибыли на следующий день после нападения Германии на Советский Союз. Узнав об оккупации Витебска, художник написал ему (то есть Витебску) письмо: «Давно, мой любимый город, я тебя не видел, не упирался в твои заборы. … Я не жил с тобой, но не было ни одной моей картины, которая бы не отражала твою радость и печаль. Врагу мало было города на моих картинах, которые он искромсал как мог. Его «доктора философии», которые обо мне писали «глубокие» слова, теперь пришли к тебе, мой город, сбросить моих братьев с высокого моста в Двину, стрелять, жечь, наблюдать с кривыми улыбками в свои монокли…»
С БэллойА скоро мировая катастрофа слилась для него с его личной, частной, но не менее страшной катастрофой — в 1944 году в результате осложнения после гриппа умерла его единственная любовь, его главная женщина Белла. «Твой белый шлейф плывет, качаясь в небе…» — напишет он много лет спустя.
Девять месяцев мольберты с эскизами были повернуты к стене — рисовать Марк Захарович не мог. Он вообще ничего не мог — ни с кем-либо говорить, ни куда-либо ходить, ни чего-либо хотеть. Если бы так продолжалось дальше, он либо сошел бы с ума, либо умер. И тогда хитрая Ида (ей было уже 28 лет) наняла отцу экономку — потрясающую красавицу, лицом напоминающую Бэллу, к тому же великолепно образованную и из хорошей семьи — отец Вирджинии Хаггард когда-то служил британским консулом в США.
Шагалу было тогда пятьдесят восемь лет, Вирджинии — тридцать с небольшим. Нет, он по-прежнему любил свою Беллу, и смерть над этим была не властна. Но одиночество было для Шагала невыносимым! Вскоре Вирджиния родила ему сына. В честь одного из братьев Шагала его назвали Дэвидом. А вот фамилию мальчику дали материнскую, оставшуюся у нее от первого замужества — Макнилл (ведь Дэвид родился вне брака). В 1948 году вся семья, повинуясь шагаловской страсти к перемене мест, переехала в Париж.
Вирджиния, к которой Шагал со временем не на шутку привязался, оказалась похожей на Беллу лишь внешне. Увы, она была обыкновенной женщиной и не устояла перед парижскими соблазнами. Вот что писала в 1951 году подруга семьи Шагалов — Марина Антоновна Деникина (дочь знаменитого белого генерала): «Ирландка вдруг сбежала от Шагала с художником — то ли шведом, то ли норвежцем — и сына захватила с собой. Для Шагала это была большая драма, он даже подумывал о самоубийстве. Его дочь Ида все время повторяла: «Надо что-то сделать, иначе он покончит с собой. Надо ему кого-то подыскать». В конце концов мы нашли Валентину Бродскую, которая тогда жила в Англии, и уговорили её стать на некоторое время компаньонкой художника».
Последний полётВ Париже Ида Шагал создала салон, где собирался весь цвет столицы — от Андре Мальро до мадам Помпиду. Вава (так близкие звали Валентину Григорьевну Бродскую) была вхожа туда и как дочь известного фабриканта, и как владелица лондонского салона моды. Она была моложе Шагала на восемнадцать лет. Хорошенькая. Нравилась Иде. Что ему ещё было нужно от женщины? Ну разве ещё, чтобы она побуждала его летать… Но такая женщина в жизни Шагала уже была, и другой случиться не могло. Марк Захарович был нетребователен и быстро привязывался. В общем, 12 июля 1952 года Вава стала женой Шагала. Просто рисовать он продолжал Бэллу…
Для свадебного путешествия выбрали Грецию, и, казалось, Шагал вернулся оттуда другим человеком. За какие-то несколько дней проявилась истинная сущность Валентины — властной, корыстолюбивой, ревнивой. И, что поразительно, тех же нескольких дней хватило, чтобы Шагал подчинился ей полностью. «Перелётной птице» будто подрезали крылья — поселившись с Вавой на вилле Коллин в небольшом средиземноморском городке Сен-Поль-де-Васе километрах в двадцати от Ниццы, он больше никогда никуда не переезжал (если, конечно, не считать рабочих поездок). Потом Ваве, хоть она и сама принадлежала к «избранному народу», захотелось, чтобы творчество Шагала перестало ассоциироваться с еврейством. И художник подчинился. Для начала перестал рисовать раввинов. Потом Шагал вдруг пригрозил подать в суд на авторов еврейской энциклопедии, если они упомянут там его имя. Старый друг Марка Захаровича Яаков Бааль-Тшува рассказывает о том времени: «Мы беседовали между собой на идише, но стоило нам на улице поравняться с кем-нибудь из французов, как Шагал тут же переходил на французский».
Но хуже всего то, что Марк Захарович стал слишком мало думать о творчестве и слишком много — о благосостоянии семьи. Так во всяком случае считали его друзья. На этой почве Шагал рассорились с Пикассо. Великий испанец спросил его, почему Марк не выставляется в советской России. «Твоих работ в России тоже не видно, — ответил Шагал, — а ведь ты как-никак коммунист!» Пикассо рассмеялся: «Я знаю, почему ты не выставляешься в России: ведь там нельзя заработать!» Насчёт России Пикассо был не прав — через несколько лет Шагал поехал туда и подарил Пушкинскому музею 75 своих бесценных литографий, чего с ним долгие годы не случалось (раньше-то Марк Захарович много работ раздаривал, но Вава считала это непростительным мотовством).
Даже дочери, Иде Валентина Григорьевна не разрешала Шагалу ничего дарить. Её собственные отношения с Идой очень быстро испортились, и та стала редко появляться у отца дома. А всякий раз, когда Марк Захарович хотел отдать дочери что-нибудь из своих новых работ, Вава говорила, что картина уже кому-то обещана. Кстати, основная часть рисунков (стоимостью в несколько сотен миллионов долларов) стараниями Валентины Григорьевны досталась ее брату, Мишелю Бродскому, которого Шагал не слишком жаловал.
Нужно ли говорить, что видеться с внебрачным сыном — Дэвидом — Валентина Григорьевна мужу запретила. На долгие годы с молчаливого согласия Шагала было наложено табу даже на упоминание Вирджинии Хаггард и её сына. Пробовала Вава потеснить из биографии мужа и его первую жену, но тут уж она столкнулась с непробиваемой стеной сопротивления! Первая жена и родина оставались для Шагала святынями. Хотя он и закончил жизнь с другой женщиной и в другой стране…
Кстати, насчёт конца. Шагал умер 28 марта 1985 года в лифте, поднимавшемся на второй этаж. Пусть и не высоко, но все-таки вверх! А значит, он действительно умер в полёте…
Ирина Стрельникова #СовсемДругойГород
С последней женойСвадьба Марка Шагала
Свадьба, произведение искусства, написанное Марком Шагалом вскоре после смерти его супруги Беллы Розенфилд в 1944 году.
Позже он приступил к публикации произведения искусства спустя немногим более трех лет после потери жены, после того, как принял смерть своей покойной жены.
Художник демонстрирует своими картинами декорации свадьбы своего шурина Аарона. Имиджевые декорации признаны во всем мире до сегодняшнего дня.
Тема картины, изображающая новобрачного шурина, является главной изюминкой, выполненной в очень поэтичной манере. Использование цветов демонстрирует настроение блаженного события, при этом то, что кажется музыкантами, также влияет на настроение окружающей среды.
Что действительно впечатляет, так это его техника представления музыкантов, которые сначала кажутся в центре внимания, но все же удается привлечь все внимание наблюдателя к паре.
Родившись в России в 1887 году, Шагал стал свидетелем передовой бедности, но имел привилегию познакомиться с различными видами искусства в очень юном возрасте. Позже он начал создавать и развивать навыки, которые привели его к тому, что он стал плодотворным и влиятельным художником, которым он является сегодня.Его работа была основана на эмоциональных ассоциациях.
Прежде чем Шагал пошел учиться в русскую государственную школу, он посещал еврейскую начальную школу, где ему была дана возможность изучать иврит, а также Библию. В течение этого периода своей жизни он изучал основные основы рисования, но также проводил время, изучая окружающий его мир, что впоследствии оказало огромное влияние на его работу.
Юный Шагал позже пошел учиться во всееврейское художественное училище, где он официально начал свой путь в искусстве в возрасте 19-20 лет.Позже он бросил школу, так и не завершив учебу в течение двух месяцев, которые он сначала начал, после чего переехал в другое место, чтобы учиться в Императорском обществе защиты изящных искусств.
Его эмоциональные переживания в жизни дали ему возможность создать свой собственный уникальный стиль, используя воспоминания как инструмент для создания иллюзорных и похожих на фэнтези картин. Талантливый художник известен своей способностью изображать свои эмоции, подобно тому, как поэт выражает себя через поэзию.
Возраст 97 Шагал скончался 28 марта 1985 года. Исторический русский, позже французский художник оставил после себя не только свое наследие, но и обширную коллекцию своих художественных работ, которые он делал на протяжении всей своей жизни. Легендарный художник, как многие его называют, оставил после себя свои работы, которые сделали его знаменитым не только в свое время, но и в 21 веке, и многие из тех, кто его уважает, оказали влияние на многих русских и евреев.
Марк Шагал, возможно, и ушел из жизни, но его картины будут жить вечно, рассказывая истории, которые он разделял всю свою жизнь.
МАРК ЧАГАЛЛ «Свадьба», ограниченная серия цветных литографий — Martinez Art Dealer
Без рамы.
Вы также можете посмотреть эту и многие другие работы в нашей галерее Surry Hills в Сиднее. Пожалуйста, напишите мне, чтобы договориться о времени для просмотра лично.
Серафин Мартинес
Директор Martinez Art Dealer
Surry Hills, Сидней, Австралия
ABN 36 561 407 649
Марк Шагал родился в 1887 году в бедной еврейской семье. в России. Он был старшим из девяти детей. Шагала начал проявлять свой художественный талант еще во время учебы в светской русской школе, и несмотря на то, что его отец неодобрение, в 1907 году он начал изучать искусство с Леон Бакст в Санкт-Петербурге.Петербург. Это было в это время что его особый стиль, который мы узнаем сегодня начали появляться. Когда его картины начали сосредотачиваться на изображениях из его детства, акцент, который направлять его творческую мотивацию на остальную часть его жизнь воплотилась в жизнь.В 1910 году Шагал на четыре года переехал в Париж. Это было в этот период что он написал некоторые из своих самых известных картин еврейской деревни, и развил черты, которые стали узнаваемыми товарными знаками его искусства.Сильный и яркие краски стали изображать мир в сказочном состоянии. Фантазия, ностальгия и религия стали сливаться воедино, создавая потусторонние образы.
В 1914 году, перед началом Первой мировой войны, Шагал провели персональную выставку в Берлине, в которой преобладали работы по еврейским изображениям. Во время войны он проживал в Россия, а в 1917 году, одобрив революцию, он назначен наркомом изобразительных искусств г. Витебска. а затем директор вновь созданного Free Академия художеств.В 1922 году Шагал покинул Россию, поселившись во Франции год спустя. Он жил там постоянно кроме 1941-1948 годов, когда бежал из Франции во время Второй мировой войны он проживал в США. Ужас Шагала по поводу прихода нацистов к власти выражено в произведениях, изображающих еврейских мучеников и беженцы.
Помимо изображений еврейского мира, картины Шагала вдохновляют по темам из Библии. Его увлечение Библией завершилось серией более 100 гравюр, иллюстрирующих Библию, многие из которых включают элементы из фольклора и религиозной жизни России.
Израиль, который Шагал впервые посетил в 1931 году для открытия Тель-Авивского Художественный музей также богат некоторыми работами Шагала, в первую очередь двенадцать витражей в больнице Хадасса и настенные украшения в Кнессете.
Шагал получил множество наград и признание за свою работу. Он также был один из очень немногих художников, которые при жизни выставляли работы в Лувре.
Свадебный пир в Гроте Нимфы, от Дафниса и Хлои
Марк Шагал родился в Витебске, Белоруссия, в 1887 году в бедной хасидской семье.Марк Шагал, старший из девяти детей, сначала учился в хедере, а затем перешел в светскую русскую школу, где начал проявлять свой художественный талант. При поддержке матери и несмотря на неодобрение отца, Шагал продолжил свой интерес к искусству, отправившись в Санкт-Петербург в 1907 году изучать искусство у Леона Бакста. Под влиянием современной русской живописи начал проявляться самобытный детский стиль Шагала, часто основанный на образах из его детства. С 1910 по 1914 год Марк Шагал жил в Париже, где вобрал в себя работы ведущих художников-кубистов, сюрреалистов и фовистов.Именно в этот период Шагал написал некоторые из своих самых известных картин еврейского местечка или деревни и развил черты, которые стали узнаваемыми товарными знаками его искусства. Сильные и часто яркие цвета изображают мир с фантастической, нереалистичной простотой, а слияние фантазии, религии и ностальгии придает его работам радостное качество. Животные, рабочие, любовники и музыканты населяют его фигуры; «Скрипач на крыше» часто повторяется, часто паря в пределах другой сцены.Работы Шагала этого периода демонстрируют влияние современной французской живописи, но его стиль остается независимым от какой-либо одной художественной школы. Он регулярно выставлялся в Салоне Независимых.
В 1914 году, перед началом Первой мировой войны, Марк Шагал провел персональную выставку в Берлине, на которой были представлены работы, в которых преобладали еврейские образы и персонажи. Во время войны он проживал в России, а в 1917 году, поддержав революцию, он был назначен наркомом изящных искусств в Витебске, а затем директором только что созданной Свободной художественной академии.Однако большевистские власти не одобряли стиль искусства Шагала как слишком современный, и в 1922 году Марк Шагал покинул Россию и через год поселился во Франции. Он жил там постоянно, за исключением 1941-1948 годов, когда, бежав из Франции во время Второй мировой войны, он проживал в Соединенных Штатах. Ужас Шагала по поводу прихода к власти нацистов выражен в произведениях, изображающих еврейских мучеников и еврейских беженцев.
Помимо изображений хасидского мира, картины Шагала вдохновлены темами из Библии.Его увлечение Библией привело к созданию серии из более чем 100 офортов, иллюстрирующих Библию, многие из которых включают элементы еврейского фольклора и религиозной жизни Витебска. Среди других иллюстраций Шагала — произведения Гоголя, Лафонтена, Ю. Л. Переца, его автобиографическая Ma Vie (1931; Моя жизнь, 1960) и Шагала Шагала (1979). Марк Шагал писал различными материалами, такими как масло, акварель и гуашь. Его работы также распространились на другие формы искусства, включая керамику, мозаику и витражи.Среди его самых известных строительных украшений — потолок Оперного театра в Париже, фрески в Метрополитен-опера в Нью-Йорке, стеклянное окно в Организации Объединенных Наций и украшения в Ватикане. Израиль, который Марк Шагал впервые посетил в 1931 году для открытия Тель-Авивского художественного музея, также богат некоторыми работами Шагала, в первую очередь двенадцатью витражами в больнице Хадасса и настенными украшениями в Кнессете.
Марк Шагал получил множество наград и признание за свою работу.Он также был одним из очень немногих художников, которые при жизни выставляли работы в Лувре.
Участие Марка Шагала в создании эстампов датируется 1922 годом и его возвращением в Берлин после Первой мировой войны. В ходе попыток вернуть картины, которые он оставил вместе с директором галереи Sturm Gallery Хервартом Вальденом в 1914 году, Вальтером Фейлхенфельдтом, директором Cassirer, Галерея предложила издать недавно завершенную автобиографию Шагала Mein Leben (Моя жизнь) с офортами.Хотя книга так и не была опубликована из-за проблем с переводом, художник создал серию из 20 офортов методом сухого офорта, изображающих сцены и фигуры в недавно сформировавшемся наивно-реалистическом стиле Шагала. Шагал никогда раньше не был знаком с техникой гравюры и очень увлекся ими, пробуя свои силы также в гравюрах на дереве и литографии. Он чувствовал, что в этих медиумах его повествовательное чутье нашло должное выражение. Шагал писал в 1960 году: «С тех пор, как я начал пользоваться карандашом, я искал нечто определенное, что могло бы течь, как поток, к неизведанным и манящим берегам.«И снова». Когда я держал в руке литографический камень или медную пластину, мне казалось, что я прикасаюсь к талисману. Мне казалось, что я могу вложить в это все свои радости и печали …. Все, что касалось моей жизни на протяжении многих лет, рождения, смерти, свадьбы, цветы, животные, птицы, бедняки, мои родители, любовники в ночью, библейские пророки, на улице, дома, в храме и на небесах. И когда я стал старше, трагедия жизни внутри нас и вокруг нас »1. Именно в этом смысле Шагал создавал литографии, и они стали потоком, несущим послание его живописи в широкий мир.
К счастью, именно комиссия по гравюрам вернула Марка Шагала в Париж в 1923 году. Знаменитый торговец и редактор Амбруаз Воллар пригласил его сделать несколько книжных иллюстраций, и художник попросил, чтобы это была книга русского писателя «Мертвые души» Гоголя. Так Марк Шагал всего за два года написал 107 офортов на эту тему. Хотя по стилю они похожи на сухие точки Mein Leben, их техника явно более сложная и утонченная.Показательно, как связаны различные творческие среды, художник обнаружил, что в процессе разработки гравированных образов для иллюстрации Гоголя он смог возродить свои собственные русские темы. Так как он очень хотел окружить себя картинами, которые он потерял в ходе Первой мировой войны и во время пребывания в России, он ухватился за это вдохновение, чтобы восстановить многие из его ранее утраченных полотен. Развивались и другие темы, связанные с его недавним опытом московского театра и настенной живописи.По возвращении Шагал свежим взглядом посмотрел на Париж и французскую сельскую местность, и это тоже нашло отражение в его картинах. Его цвета, смягченные особым светом Прованса, стали более нежными, хотя по-прежнему накладывались богато и спонтанно. Он начал писать как французский пейзаж, так и цветочные букеты в сопровождении влюбленных пар, музыкантов и животных, часто изображаемых по краям композиции как поэтические вставки. Эти темы будут продолжать проникать в его зрелую работу до конца его карьеры.
В 1928-1931 годах Марк Шагал создал серию черно-белых офортов, вдохновленных баснями Ла Фонтена, также опубликованными Волларом, который стал наставником Шагала и источником вдохновения с его концепциями для печатных проектов. В этих работах художник использовал все мыслимые техники офорта, пытаясь придать им живописное качество. Примерно в то же время Воллар решил заказать у Шагала серию гуашевых картин, основанных на цирковых образах.Эти два проекта всколыхнули богатое воображение Марка Шагала, и он породил удивительные образы, которые повлияли на многие его более поздние работы. Это было счастливое и напряженное время для Шагала. Он смог насладиться образом жизни успешного художника во французском Городе Света, что нашло отражение в праздничных, элегантных и романтических композициях, которые он писал, часто изображая его жену, Беллу и себя. В начале 1930-х годов экономический и политический кризис, охвативший Европу, также оказал влияние на Шагала. Нацистские преследования евреев заставили художника больше узнать о своих еврейских корнях и вынудили его стремиться к более серьезному типу художественного выражения, имеющему более глубокое значение для условий жизни человека.Созданная Волларом в 1931 году работа 100 офортов с изображением Библии полностью совпала с настроением художника, и он немедленно отреагировал, отправившись в Святую Землю, чтобы погрузиться в обстановку Ветхого Завета. Там его тронула торжественная красота местности и ее великолепный свет, когда он начал работу над проектом и набором изображений, которые и дальше будут играть важную роль в его будущей работе. Эта комиссия положила начало религиозной стороне творчества художника. В начале Второй мировой войны, которая почти совпала со смертью Амбруаза Воллара в автомобильной катастрофе, две трети пластин были готовы, а большая часть баланса уже запущена.В то же время Шагал в 1934 году отправился в Испанию, чтобы изучить произведения Веласкеса, Гойи и Эль Греко, а в 1937 году он отправился в Италию, чтобы созерцать произведения Тициана. Из этих паломничеств он получил концепцию живописи в более крупном масштабе, с более разнообразной цветовой палитрой и большей глубиной смысла.
Во время Второй мировой войны Марк Шагал не хотел покидать свой приемный дом, Францию. В 1940 году он переехал в Горд в Провансе в надежде, что его просто оставят в покое для рисования.Той зимой с ним связался Вариан Фрай из Американского комитета помощи и получил приглашение от Музея современного искусства в Нью-Йорке приехать в Соединенные Штаты.
Сначала он отказался, но когда до него дошли новости об арестах и исчезновении друзей, он решил принять это приглашение. С Беллой, их дочерью Идой и как можно большим количеством его картин они отправились в Марсель, а затем Лиссабон, наконец, отправился в США. Они прибыли в Нью-Йорк 23 июня 1941 года, через день после того, как нацистские войска вошли в Россию, дом детства Шагала. .Отрезанный от своей обычной рутины Шагал сначала посвятил себя живописи в Нью-Йорке, но как можно скорее он и его семья переехали в деревню. Там трагически его любимая жена Белла заболела пневмонией и умерла, оставив Марка и Иду одних и разбитых сердцем.
После смерти Беллы, пытаясь продолжить свою работу, Шагал начал выпускать свои первые цветные литографии «Четыре сказки из арабских ночей». Из 1001 рассказа «Арабских ночей» Шагал выбрал лишь несколько, посвященных темам утраченной любви, воссоединения и смерти, и создал в общей сложности 13 композиций.Сочетание этих экзотических фантастических сказок и ярких красок и образов Марка Шагала оказалось опьяняющей смесью. Хотя ранее он создавал черно-белые литографии во Франции, Шагал, которого многие считают одним из величайших колористов всех времен, никогда не пробовал себя в цветной литографии. Впечатляющие результаты, опубликованные в 1948 году, подтверждают близость художника к этой среде. Четыре сказки Шагала из «Арабских ночей» считаются лучшими образцами цветной литографии, произведенной в Соединенных Штатах до 1950 года, и в 1948 году он был удостоен награды Венецианской биеннале за графику.
После обширной выставки своих работ в Национальном музее современного искусства в Париже весной 1946 года Шагал навсегда переехал во Францию в 1948 году, поселившись в Вансе недалеко от Ниццы и Лазурного берега к 1950 году. Возвращение Шагал встретился с Териадой (1897-1983), редактором Verve и наследником Воллара, который начал в быстрой последовательности публиковать проекты Шагала, оставшиеся в поместье Воллара: Мертвые души в 1948 году, Басни Ла Фонтена в 1952 году, Библия (баланс). из которых было завершено в период с 1952 по 1956 год) в 1957 году.Что особенно важно, в 1952 году, когда художник собирался снова выйти замуж, Териаде поручила Шагалу проиллюстрировать древний пасторальный роман Дафнис и Хлоя. Вместе с Дафнисом и Хлоей (М. 308-349) Марк Шагал начал новый цикл жизни и работы. Вместе со своей новой невестой, Вавой, буквально во время медового месяца он впервые в своей жизни отправился в Грецию в поисках вдохновения для этой приключенческой сказки. В Дельфах, Афинах и на острове Порос Марк и Вава влюбились в Грецию и в историю Дафниса и Хлои.В то время и во время серии последующих визитов в Грецию Шагал создал серию рисунков и гуашей, которые легли в основу 42 цветных литографий, составляющих сюиту Дафнис и Хлоя. Опубликованные Териадой в 1961 году в роскошном издании всего 60 экземпляров, они повсеместно признаны наиболее важными оригинальными гравюрами художника (следует отметить, что существует также состояние книги без подписи, равное 250). Эти замечательные работы были выгравированы Марком Шагалом под бдительным присмотром опытного печатника Шарля Сорлье и напечатаны на печатных машинах несравненной мастерской Мурло в Париже в период с 1957 по 1960 год.Цветные литографии Шагала для Дафниса и Хлои устанавливают новый стандарт совершенства в этой среде, с которым, возможно, никогда не будет равных. Отказавшись от традиционной практики первого изготовления черного камня или камня для рисования, который очерчивает большую часть композиции и сокращает последующие цветные пластины до простого добавления деталей, Шагал решил создавать литографические композиции полностью из чистого цвета, как если бы он делал живопись. В 1958 году Парижская опера по заказу Шагала создала декорации и костюмы для балета Равеля «Дафнис и Хлоя», воплотив в жизнь эту классическую историю и сделав параллели с его оригинальными гравюрами на ту же тему.Его работа с балетом и его танцорами явно повлияла на изящество и красоту движений фигур, изображенных на литографиях.
С этого момента Шагал продолжал увлекаться цветной литографией как средством печати и сохранил ателье Мурло и особенно Шарля Сорлье в качестве своих творческих сотрудников. Сорлье консультировал его по всем его будущим проектам цветной литографии и руководил их печатью в Mourlot. «Марк Шагал в своем творчестве сфабриковал мистический мир влюбленных, музыкантов и художников.Он выбрал литографию в качестве средства печати, которое могло предложить ему почти неограниченную свободу живописи для исследования этого мира. Поскольку литография — это техника, при которой художник может работать непосредственно на печатной пластине или литостоне, полученные отпечатки передают спонтанность его мазков и нарисованных линий. Литография также позволила Шагалу работать с пышными цветами, которые он считал своим мастерством и за которые он прославился. Литографии Шагала сегодня являются одними из самых собранных произведений искусства ХХ века.»
После триумфальной сюиты «Дафнис и Хлоя» Шагал создал такие отдельные шедевры цветной литографии, как «Залив Ангелов» (М. 350) и Набережная Турнель (М. 351). В 1962 году, воодушевленный Териаде, он начал работу над другим проектом, впервые задуманным Амбруазом Волларом, — «Цирковая сюита» (М. 490-527). Воллар был горячим поклонником цирка и осознавал потенциал его света, костюмов и артистов как стимула для создания образов Шагала. Поэтому он, как мы уже отмечали, поручил художнику нарисовать серию цирковых гуашей в конце 1920-х годов.Используя эти гуаши в качестве отправной точки, Шагал теперь гравировал 23 мастерские цветные литографии и 15 лирических черно-белых литографий на тему цирка. Только цветные образцы были опубликованы в 1967 году Териадой в роскошном издании, состоящем всего из 24 и трех цветных корректур художника, и считаются лучшими и наиболее коллекционируемыми художественными литографиями Дафниса и Хлои. Шагал составил свой собственный текст книжного состояния этих работ, которые были опубликованы вместе с черно-белыми примерами как настоящая книга художника в 250 экземплярах без подписи.Яркие цирковые образы Шагала доставляют удовольствие и обращаются к ребенку внутри нас, но при более внимательном рассмотрении зритель обнаруживает, помимо клоунов, акробатов и наездников, неожиданную, но типичную иконографию Шагала, такую как его свадебные пары, музыканты и его вездесущие куры и козы. которые добавляют веселья. Но для артиста цирк был несколько меланхоличной визуальной метафорой жизни. «Для меня цирк — это волшебное зрелище, которое проходит, как мирские дела, и тает.Это тревожный и глубокий цирк ».
Даже с огромным успехом цветной литографии, которого он уже достиг, Марк Шагал все еще стремился экспериментировать с возможностями и ограничениями этого печатного материала. Необычно оформленные картины, такие как «Золотой век» овальной формы (М. 542) и масштабные сюжеты, такие как «Волшебник из Парижа II» конца 1960-х годов, представленные на этой выставке, — прекрасные примеры, которые добавили новый интерес к гравюрам.Для своей последней литографии, основанной на единой теме, Шагал выбрал «Одиссею Гомера» (М. 749-830), исполнив 82 литографии, 43 из которых — цветные, основанные на этом эпосе. «Одиссея» была издана Мурло в двух томах в середине 1970-х годов. Энтузиазм Марка Шагала по поводу цветной литографии был таков, что в 1980 году Эме Мэгт смогла убедить художника, которому тогда было 93 года, выгравировать свои самые большие цветные литографии за всю историю (М. 971-984), просто сообщив ему, что он получил несколько больших размеров. литостоны.Маэ надеялся, что художник будет достаточно заинтересован, чтобы гравировать одну или две новые композиции; Вместо этого Шагал проявил свою энергию и талант, чтобы изобразить 13 выдающихся цветных литографий, в том числе: Пара в сумерках (М. 972), В небе оперы (М. 973), Парад (М. 981) и Красное материнство (М. 984). ) каждый размером в среднем 95 х 60 см. (37 5/8 x 23 7/8 дюйма). Вместе они составляют полный сборник его самых узнаваемых образов, включая влюбленные пары, цветочные букеты, парящие фигуры, артистов цирка и знакомые пейзажи Парижа, Св.Поль де Ванс и Витебск все представлены в монументальном размере.
Марку Шагалу было 63 года, когда он впервые приехал в Морло в 1950 году, чтобы всерьез изучить технику цветной литографии у Шарля Сорлье. Будучи уже всемирно известным художником, которому нечего доказывать, Шагал, тем не менее, неустанно работал, чтобы овладеть многими нюансами и тонкостями этой требовательной среды для собственного удовлетворения. Поскольку большинство его литографических работ было создано в конце его карьеры, характер произведенной работы приобрел характер диалога между художником и его более ранними изобретениями, что дало его литографиям преимущество использования богатой и личной иконографии, разработанной над продолжительность жизни.Поэтому неудивительно, что эти цветные литографии так милы тем из нас, чье сердце и душа тронуты посланием Марка Шагала. Марк Шагал умер 28 марта 1985 года в городе Сен-Поль, Россия.
Джеймс Хили, Сан-Франциско, 2002 г.
Русская свадьба · Марк Шагал · Stiftung Sammlung E.G. Bührle
Provenance
1Максим Моисевич Винавер Санкт-Петербург и Париж • 1909–1926 [?] Получено от художника, AStEGB, Письмо Франца Мейера, Париж, зятя художника и автора книги catalog raisonné, Вальтеру Драку [куратору коллекции Bührle], 20 июля 1954 г., в котором говорится, что, по словам художника, Винавер уехал из России в Париж в разгар русской революции и забрал картину с собой.Он был продан в Париже, возможно, после смерти Винавера в 1926 году; см. некролог Марка Шагала «Памяти М. М. Винавера», в Raszviet , Париж, 24 октября 1926 г., с. 11
2Alice Manteau Paris • к 1929 г. AStEGB, Дело о происхождении и ссылках на Шагала, Mariage russe , приложенное к письму Макса Кагановича, Париж, Эмилю Бюрле, 1 марта 1954 г., сопроводительный счет от Макса Кагановича, Париж, составленный отправился в Кунстхаус Цюриха, 1 марта 1954 года, за 3 картины, в том числе Шагала, Mariage russe ; Марк Шагал , Андре де Риддер (изд.), Антверпен, 1929 г., стр. 66 (ил.).
3Mme Lucien Paris File, как указано выше, n. (2).
4J. Nash Paris File, как указано выше, n. (2).
5Galerie Max Kaganovitch Paris • от 1954 AStEGB, Счет-фактура, как указано выше, n. (2).
6Emil Bührle Zurich • 10 марта 1954 г. до [ум.] 28 ноября 1956 г. Получено из вышеуказанного, счет-фактура, как указано выше, n. (2), оформленные для 3 картин: Bonnard, Intérieur , Matisse, Paysage , Chagall, La Noce, на общую сумму 5 900 французских франков.000, с упоминанием «Gut zur Zahlung», подписанным Бюрле. Ко второй копии этого счета приложена рукописная заметка Эмиля Бюрле, в которой перечислены 3 картины, упомянутые в счете, опять же на общую сумму 5 900 000 французских франков, но с пометкой «выкл.» [Iziell] и вторая строка «réelle» и сумма FF «7.800.000 + 5.5 Fantin-Latour»; последняя ссылка на натюрморт Фантен-Латура, приобретенный Бюрле в то же время и теперь находящийся в частной коллекции; AStEGB, Платежное поручение Эмиля Бюрле Industrie- und Handelsbank, Цюрих, 10 марта 1954 г., о переводе FF 13.3 млн. Максу Кагановичу, подписанное «reçu Max Kaganovitch».
7 От наследников Эмиля Бюрле Фонду E.G. Собрание Бюрле Цюрих • 1960 Инв. 19
АСТЭГБ = Архив Фонда Э.Г. Bührle Collection, Цюрих
Свадебные цветы Марка Шагала в стиле 1944 года Репродукция картины маслом на холсте
Свадебные цветы Марка Шагала в стиле 1944 года Репродукция картины маслом на холстеРегулярные репродукции картин : Профессиональные репродукции свадебных цветов Марка Шагала в стиле 1944 года, расписанные вручную нашими умелыми художниками.Среднее время обработки — 5 недель. Все репродукции нашего Разного расписываются по порядку, надежно свертываются в тюбик и отправляются вам через Fed-Ex или DHL. Это качество подходит для любой из картин.
Линия роскоши : Наше лучшее качество — все свадебные цветы Марка Шагала в стиле 1944 года. Холсты раскрашены слоями, предлагая более толстые мазки кисти, чем при обычном качестве рисования, и обеспечивая более яркие насыщенные цвета, а также лучший общий контраст.При необходимости мы рисуем глазурью, чтобы придать вашей картине эти глубокие, насыщенные цвета.
Рекомендуется для картин старых мастеров, которые имеют больше деталей, фигур или фактур и нуждаются в более тонкой работе. Картины также можно заказать с состаренным холстом, который имеет небольшие трещины, чтобы придать ему ощущение старого мира.
Дополнительная миля : Для наших клиентов линии luxury по запросу бесплатно предоставляются деревянные носилки с ключами. Обратите внимание, однако, что взимается дополнительная плата за доставку.
Спасибо, что выбрали нашу художественную студию!
Покупка репродукции картины маслом Марка Шагала «Свадебные цветы в стиле 1944 года»
в нашей студии гарантирует отличное качество ваших репродукций и индивидуальное сопровождение вашего заказа.
Каждая из наших картин на 100% расписана вручную одним из наших мастеров-художников.
Все репродукции картин из Разного имеют исключительное качество , для этого мы используем традиционные техники масляной живописи.
Выбранное вами произведение искусства будет вручную нарисовано на хлопковом и льняном холсте в соответствии с вашими требованиями и прибудет к вам домой через 5-6 недель.
У нас не так много произведений искусства. Мы обрабатываем вашу картину по запросу, в соответствии с вашими требованиями, и работа начнется после того, как вы сделаете заказ и получите четкое представление о ваших требованиях к вашим Marc Chagall Wedding Flowers в стиле репродукции 1944 года.
Отзыв реального клиента
Привет, Пол! Картина хорошо оформлена и повешена в нашей собственности. Работает тихо хорошо. Большое спасибо за вашу отличную работу.(Янтарь Тан, Гонконг)
© Copyright 1996-2019 Paul Oeuvre Art inc. Галерея Кау Тай
Офис: # 219, улица 19 Сангкат Чей Чомнас, 12206, Пномпень, Камбоджа
Оценок: 4.8 / 5 на основании 12766 отзывов | Часы работы: с 9:00 до 17:00 — с понедельника по пятницу,
Тел .: + 84-903-852-956 | ЭЛЕКТРОННАЯ ПОЧТА: paul @ pauloeuvreart.ком
Свадебная фотосессия в Париже, вдохновленная Шагалом
Доброе утро, вы готовы к еще одной поездке в Париж? Сегодня у нас есть для вас фотосессия в стиле Шагала и богемы, которая включает элегантное платье от кутюр, созданное Максом Чаулем.
Марк Захарович Шагал — русско-французский художник. Будучи ранним модернистом, он был связан с несколькими основными художественными стилями и создавал произведения практически во всех художественных средах, что прекрасно отражено в сегодняшних съемках.
Эта художественная фотосессия — идеальное вдохновение для всех вас, прекрасные невесты, которые ищут уникальные штрихи, чтобы добавить к своему важному дню. Я обожаю красивые полевые цветы, идеально подходящие для небольшого бюджета, но с таким же эффектом.
Эта упрощенная съемка, вдохновленная Шагалом, предлагает совершенно другой ракурс на деталях свадьбы. Мне очень нравятся свадебные канцелярские принадлежности, она действительно задает тон всей съемке и является прекрасным дегустатором того, что будет дальше. Это показывает, что ваши канцелярские товары могут быть намного больше, чем просто приглашение.
Суровым холодным и мрачным воскресным днем фотограф Оливье Лалин воплотил в жизнь настоящее искусство.
Задание: Съемка в стиле Шагала и богемы с французским кружевным свадебным платьем, любезно предоставленная Max Chaoul Couture. Сознавая нежный свет, проникающий в большие окна тускло освещенной студии землистых тонов, Лалин методично оглядела стройную модель в красивом кружевном платье.
Платье действительно было чем-то, что можно было увидеть.Классический и королевский образ создавал классическое ощущение настоящей принцессы в день ее свадьбы. Казалось, он вписывался в контекст всех пространств, в которых он был помещен — студии при свечах, художественной мастерской, подоконника или открытого сада.
Ее цвет кожи соответствовал пигменту кружева, эта модель даже не подозревала, насколько она красива. В сопровождении болеро Paula Ka от Ma Bonne Amie и украшений Helene Zubeldia невозможно было и мечтать о более совершенном образе.Хлоя Эруарт, штатный парикмахер и визажист, суетилась вокруг нее, уверяя, что все волосы уложены, и что она выглядит как невеста, готовая к своему важному дню.
Ее нерешительность была очевидна по застенчивой позе и неуверенным выражениям лица; это, однако, будет уменьшаться по мере развития съемок. Правдивый в игривом, но профессиональном поведении, который он обещает всем своим частным клиентам, Лалин смог успокоить разум своего объекта, при этом делая то, что у него получается лучше всего, — создавая превосходные, неподвластные времени фотографии.
Как будто платье было недостаточно безупречным, декорации и реквизит добавили дополнительный блеска работе Лалин. Яркие цветочные композиции, предоставленные Эдит из парижского цветочного магазина Une Fleur en Liberté, добавили не только нежную красоту, но и сладкий аромат полуденной съемке.
Эдит на самом деле создала не один, а три разных букета, идеально подходящих под настроение ателье художника.Мы были благословлены очень красочным свадебным букетом мака, а также меньшим букетом роз гипсофилы и центральным украшением гизофила, жасмина и мака.
Уникальный и незабываемый свадебный торт от Synies, вдохновленный Шагалом, представлял собой произведение искусства, а графика и каллиграфия писем и конвертов Миёко придали проекту глубину и отразили тяжелую работу и подготовку к этому дню.
В целом, это была феноменальная съемка.Фотограф Оливье Лалин смог создать изысканную и единственную в своем роде работу, идеально подходящую для любой невесты, всего за несколько часов.
Всего за одну стильную съемку Оливье Лалин продемонстрировал гибкость и креативность, которые могут быть непростыми в парижской свадебной фотоиндустрии. Его 20-летний опыт был очевиден, хотя сам художник был скромным. Из многих свадебных фотографов в Париже его следует очень уважать.
Чтобы получить больше вдохновляющих снимков, полных замечательных идей и рекомендуемых поставщиков, просто нажмите здесь.
С любовью,
Кристина х
Свадебная фотосессия в Париже, вдохновленная Шагалом. Снимок
Свадебные продавцы
Организатор свадеб: Свадебные световые мероприятия | Фотограф: Оливье Лалин | Свадебное платье: Max Chaoul Couture | Свадебный торт: Synies | Письмо и каллиграфия: Миёко Ясумото | Болеро и украшения: Mabonneamie | Цветы и букет: Une Fleuren Liberte | Прическа и макияж: Cloé Herouart
Марк Шагал, Festin nuptial dans la grotte des nymphes (Свадебный пир в пещере нимф) из Дафниса и Хлои, 1961, Литография (S)
Историческое описание
Будучи предпоследней литографией из серии Дафнис и Хлоя, Festin nuptial dans la grotte des nymphes (Свадебный пир в пещере нимф) представляет собой праздничный образ, на котором Дафнис и Хлоя после всех своих испытаний и невзгод являются мы бы.Шагал использует чрезвычайно яркую цветовую палитру зеленого, желтого, красного и оранжевого цветов лайма. Фигуры людей и животных одинаково пожирают вкусную еду, напитки и танцуют в круговой формации. Дафнис и Хлоя стоят слева, самые большие фигуры в композиции. Выделенная красным цветом, Хлоя узнаваема по фате и струящемуся платью. Дафнис стоит рядом с ней, заключая ее в любовные объятия. Вся сцена пропитана чувством радости, бодрости и надежды на счастливое будущее молодоженов.
Созданная между 1957 и 1960 годами, серия «Дафнис и Хлоя» считается самой важной из графических работ Шагала из-за количества и размера публикации. Эта работа пронумерована карандашом 58/60 в нижнем левом поле и подписана карандашом от руки Марка Шагала (Витебск, 1887 — Сен-Поль, 1985) в нижнем правом поле. Отпечатано Mourlot Frères, Париж, опубликовано Verve, Париж.
ДОКУМЕНТАЦИЯ И ИЛЛЮСТРАЦИЯ:
1) Cramer, P.(1995). Марк Шагал, Иллюстрированные книги: Резонный каталог. Патрик Крамер, Издательство: Женева. Перечислено и проиллюстрировано как резюмированный каталог № 46 на стр. 154-162.
2) Марк Шагал: Литографии, La Collection Sorlier. Гаусс, У. (Ред.). Занесено в каталог под номером raisonné. 348 на стр. 138 и проиллюстрировано на стр. 177. Подробности на стр. 139.
3) Mourlot, F. (1963). Литографии Шагала, т. II 1957–1962 гг. Андре Соре, автор: Монте-Карло. Перечислено и проиллюстрировано как резюмированный каталог №348 на стр. 162-163. Подробно на стр. 131.
